Kunst presenteren is een echte Doe-Het-Zelf mogelijkheid, met meerdere pakketten die makkelijk te installeren zijn en in alle maten en kleuren te verkrijgen. Kunst hoor aan een muur, maar met hamer en spijker een schilderij van 100 euro of meer ophangen is een tricky business. Maar bij Ophang-systeem.com hebben ze daarop wat gevonden namelijk een makkelijke labeling met de “XXL, XL, L”. Heeft u  een schilderij(en) van 15 kilo of minder kunt u gaan voor het L ophangsysteem. 2 m rails en per meter kunt u 15 kilo kwijt aan schilderijen. Dé XL ophangsysteem, kan 20 kg per 2 m verdragen aan schilderen. Gemiddeld zou je per meter ongv. 3 á 4 schilderijen kwijt. Uiteraard is nawegen geen overbodige luxe. Maar voor de echte kunst liefhebbers is er de XXL ophangsysteem. Deze kan een goede 50 kg dragen.  zodat u al uw schilderijen op een verantwoorde manier kunt ophangen zonder al te veel zorgen te maken over het maximum gewicht. Maar dan alsnog blijf letten op het gewicht.

Bestel vandaag nog uw ophangsysteem bij de specialist, Ophang-systeem.com

Rembrandt van Rijn was een Nederlandse kunstschilder die leefde van 1606 tot en met 1669. Hij wordt algemeen erkend als een van de meest belangrijke schilders uit die tijd, die belangrijke gouden eeuw. Hij schilderde in zijn vroege jaren veel portretten en was daar toen erg succesvol in. Hij heeft veel andere schilders het vak aangeleerd waaronder natuurlijk Carel Fabritius die later in zijn leven weer het vak heeft doorgegeven aan Johannes Vermeer. Rembrandt van Rijn schilderde aanvankelijk veelal portretten maar is zich later gaan specialiseren in taferelen uit de bijbel. Hij kende tijdens zijn leven net als ieder ander vele tegenslagen waaronder later ook grote financiële.

Rembrandt ging al heel vroeg van start namelijk in 1624 al in Leiden waar hij zijn eerste atelier opende. Hij had in de jaren ervoor al gestudeerd bij verschillende andere meesters. In het jaar 1629 ontmoette Rembrandt de destijds zeer beroemde wiskundige en natuurkundige Constantijn Huygens. Deze had weer goede contacten in Den Haag aan het hof en zo kon Rembrandt snel naam maken en de daarbij komende welgestelde positie innemen.

In 1631 verhuisde hij naar Amsterdam waar hij ging werken als portretschilder. Amsterdam was destijds een zeer snel groeiende stad en er was ook daardoor natuurlijk veel werk voor Rembrandt. 3 jaar later ontmoette Rembrandt, Saskia van Uylenburg en ze gingen vrij snel erna met elkaar trouwen. In het jaar 1639 verhuisde ze met het gezin naar het joodse kwartier. Het was een erg groot en duur huis en deze lening heeft er vermoedelijk later voor gezorgd dat er grote financiële problemen ontstonden.

Rembrandt leefde als een vorst en eigenlijk op een veel te grote voet. Hij gaf veel te veel geld uit aan kunst en andere spullen ook wel rariteiten.

In 1656 kwam het zover dat het niet meer verder kon en hij ging er dus bijna aan onderdoor.

Hij kon een groot deel van zijn verzamelde werk weer verkopen maar 4 jaar later moest hij gedwongen verhuizen omdat het gewoon niet meer ging. Ze gingen veel meer bescheiden wonen aan de Rozengracht in Amsterdam. Volgens kenners heeft hij zoon 600 schilderijen gemaakt, 300 etsen en zoon 2000 tekeningen. Zoals gezegd is hij begonnen als portretschilder en ging zich later toeleggen op Bijbelse voorstellingen. Hij was ook zeer actief als zelfportret schilder en dit was wel erg ongewoon voor die tijd. Hij heeft er 40 van gemaakt.

Caravaggio de bekende kunstschilder uit Italië schilderde veel in contrasten wat snel werd overgenomen door Rembrandt. Door die sterke contrasten werd het vaak erg dramatisch van toon wat natuurlijk fantastisch is voor Bijbelse voorstellingen. Ook werd de levendigheid vergroot.

Het belangrijkste maar zeker niet het allermooiste is de Nachtwacht, te zien in Amsterdam, in het Rijksmuseum, samen met de staalmeesters en vele andere.

Kunst heeft vanaf het ontstaan een invloed gehad op cultuur. Maar het omgekeerde is eveneens waar. Cultuur heeft ook een invloed op de evolutie van de kunst. Beide houden elkaar in evenwicht. Soms zijn er gebeurtenissen in een bepaalde cultuur die de beleving van kunst heftig door elkaar schudden.

Een goed voorbeeld van hoe een bepaalde cultuur de kunst heeft beinvloed zijn rotstekeningen die op tal van plaatsen gevonden zijn. Deze tonen de activiteiten die in een bepaalde cultuur werden beleefd. Deze rudimentaire tekeningen geven een goed beeld van hoe een bepaalde cultuur zich ontwikkelde.

Grote veranderingen in een cultuur zal men enige tijd later opmerken in de kunst. Vooral de wetgevende macht van een cultuur zal voor een groot deel bepalen wat wel en wat niet kan in de kunst. Zo is het in de meeste culturen vastgelegd dat aanstootgevend naakt, extreem geweld, en aanzetten tot sociaal onaanvaardbaar gedrag niet getolereerd zal worden.

Kunst en cultuur gaan hand in hand

Aangezien kunstvoorwerpen bedoeld zijn om getoond te worden aan het publiek, kan men spreken van een soort censuur. Er bestaat echter een ondergronds circuit van kunst die bedoeld is voor een select publiek waar de grenzen tussen wat kan en wat niet kan vervagen. Ook dit is een gegeven dat in elke cultuur aanwezig is.

Tal van grote tradities in de kunst vinden hun oorsprong in 1 van de toonaangevende culturen zoals Egypte, Mesopotamië, Perzië, India, het oude Griekenland, Rome, Yemen, Oman, en nog vele anderen. Ook reeds verdwenen beschavingen hebben een grote rol gespeeld zoals bij de Inca’s, de Maya’s, enz.

Ieder van deze centra van culturele ontwikkeling heeft een unieke stijl ontwikkeld op het gebied van kunst. Deze grote bolwerken van cultuur hebben dankzij hun omvang hun invloed laten gelden in de kunst en tal van voorwerpen hebben de woelige geschiedenis weten te overleven.

Het is dan ook vanzelfsprekend dat de stijl van de ene cultuur vroeg of laat werd overgenomen door een andere cultuur. Zo was het in het oude Griekenland de gewoonte om zeer veel aandacht te besteden aan de menselijke anatomie. Beelden en schilderijen van mensen werden tot in het kleinste detail correct weergegeven terwijl in dezelfde periode de Byzantijnse en Gotische kunst meer de nadruk legde op het weergeven van Bijbelse taferelen.

De kennis die de grieken hadden van de anatomie werd later overgenomen door vrijwel elke andere cultuur, zoals in de westerse Renaissance. Van toen af maakte de hoge cultuur zijn intrede. De definitie van hoge cultuur werd vastgelegd tegen het einde van de 19de eeuw. Hoge cultuur is het streven van de mens naar perfectie in de kunst. Hierdoor verkrijgt men dan hoge kunst. Dit is vooral literatuur, muziek, schilderkunst, en beeldende kunst.

Om van een hoge cultuur te kunnen spreken heeft men een hoge beschaving nodig. Dit is een ontwikkelde en rijke gemeenschap die een stevige basis kan bieden aan artiesten en kunstenaars. Deze basis bestaat uit een goede opleiding, voldoende financiele steun, en een onuitputtelijke bron van inspiratie. Al deze aspecten zorgen er voor dat de kunstenaar zijn creatieve potentieel ten volle kan benutten zonder gehinderd te worden door practische of technische beperkingen.

Een gallery is een plek waar kunst tentoon wordt gesteld. Het is een leuke en inspirerende plek. Je kunt er schilderijen bekijken, beeldhouwwerken, maar ook soms wel illustraties en andere vormen van kunst bijvoorbeeld videokunst of mooie tekeningen. Er bestaan plekken waar je gewoon naar binnen kunt en zonder veel moeite de werkstukken kunt bekijken en er zijn plekken met een wat hogere drempel waar je echt voor uitgenodigd moet worden door de eigenaar. Dit is de zogenaamde prive-gallery. Uiteraard is het doel van zoon eigenaar de kunst te verkopen maar je ziet ook vaak en dat is onwijs leuk dat de eigenaar van de gallery een liefde ervoor heeft en leuk en enthousiast kan vertellen over de te gepresenteerde stukken.

Er wordt klassiek werk aangeboden maar het meeste toch wel de moderne en hedendaagse kunst. Dit komt natuurlijk omdat er tegenwoordig ook nog enorme creativiteit is onder de mensen en dit moet natuurlijk onder de aandacht worden gebracht.

Het is mogelijk dat kunst wordt aangeboden in kleine gemeentes of dorpen maar het is uiteraard logisch dat de grote steden waar echt veel mensen komen en wonen dominant is hierin. Je moet er als kunstenaar rekening mee houden dat een winkel of gallery een commissie zal vragen op het moment dat er iets wordt verkocht. Dit is natuurlijk niet vreemd want we zijn nu eenmaal afhankelijk van elkaar. De eigenaar van de winkel of gallery heeft een mooi ingerichte ruimte en zorgt vervolgens voor de publiciteit. De kunstenaar zal rekening moeten houden dat er ongeveer 40 % naar de gallery-eigenaar zal gaan. Hij of zij kan natuurlijk deze commissiekosten doorberekenen naar de klant als dat nodig is.

Het is ook mogelijk om tegen betaling in een gallery het werk te presenteren. Het voordeel is dat er bij verkoop geen commissiekosten worden berekend en het nadeel is dat aan het begin van de expositie een bepaald bedrag door de kunstenaar betaald zal worden ook als er niet iets wordt verkocht. Het is tegenwoordig ook goed mogelijk om via het internet kunst aan te bieden. Er zijn heel veel mogelijkheden hiervoor. Het is voor de klant wat toegankelijker en makkelijker om iets moois en leuks te vinden. Veel mensen vinden het juist leuk om ergens heel te gaan en de kunst echt te zien en te beleven. Het is een hele klus om als kunstenaar een gallery te vinden die bij hem of haar past. Zelf vind ik het ook belangrijk om een goede klik te hebben met de eigenaar ervan en samen ook over het werk te spreken. Je vormt dan echt een goed team. Een gallery is meestal voorzien van goed licht, het liefst van boven, zodat de kunstwerken ideaal uitkomen. Wanneer er toch gekozen wordt voor verlichting dan is het meestal zo neutraal mogelijk, bijvoorbeeld tl verlichting of speciale daglichtlampen.

Heel veel succes met het vinden van een goede vertegenwoordiger van je werk als kunstenaar. Het is echt te gek om via zoon gegeven werk te verkopen. Je zult ook zien dat het een onwijze stimulans is om het werk in contact te brengen met het publiek.

Een cultureel fenomeen was de abstracte kunst. Niet alleen werden er abstracte schilderijen gemaakt maar ook beeldhouwwerk kreeg een vorm wat niet echt duidelijk was. Zo ontstond er een nieuwe realiteit. Het is allemaal niet echt natuurgetrouw maar de kunstenaar speelt met wat onbekende vormen, kleuren en combinaties hiervan. Het zal dus afwijken van wat je zult herkennen als werkelijkheid. Het zal uiteindelijk ook wat meer gaan werken op het gevoel, en je zult er naar kunnen blijven kijken, en er ook steeds nieuwe dingen in kunnen gaan zien. Zo rond het begin van de 20^e eeuw ontstond dit fenomeen, onder invloed van het Kubisme en het Futurisme. Dus vanuit een sterk gereduceerde weergave van de werkelijkheid. Er zijn wel objecten van herkenbaarheid zichtbaar maar ze zullen worden teruggebracht naar de essentie.

Geabstraheerd wordt ook vaak gebruikt. Abstracte schilderkunst is in het westen ontstaan, wat duidelijk een feit is maar waar precies dat is niet duidelijk. Het kan zijn dat het is ontstaan in Rusland, Italie, Frankrijk of zelfs Nederland. Het surrealisme is een stroming in de kunstgeschiedenis die werkt met de spontane handeling. Er wordt niet gewerkt vanuit de bovenste lagen van het bewustzijn maar men zal echt gaan werken vanuit het onderbewustzijn. Het heeft veel te maken met spontaniteit en in veel gevallen met spiritualiteit. De abstracte schilderkunst heeft veel gehad aan deze uiting. Er bestaan ook abstracte surrealistiche kunst. De Russische schilderkunst uit het begin van de 20^e eeuw doet vermoeden dat het hier is ontstaan. Het zijn enorm complexe werken maar verliezen in geen geval de spontaniteit. Het zijn veelal spontane werken met veel gevoel gemaakt wat weer een appel zal doen op het gevoel van de beschouwer, en deze mogelijk een spirituele ervaring laten hebben. Halverwege de 20^e eeuw dus na de 2^e wereldoorlog ontstond het abstract-expressionisme hoogst waarschijnlijk in de Verenigde Staten van Amerika. Er heerste destijds een strenge censuur zodat kunstenaars zochten naar een uiting die wat moeilijker de duiden was. Voor een leek of gemiddeld beschouwer was dat ook zo, maar de kenner kon zonder veel moeite de boodschap ontleden en doorgeven. Het is een hele pure vorm van werken wat natuurlijk niet echt eenvoudig is en was. Het heeft een enorme populariteit gekregen en er was en is werk te zien in de meest belangrijkste musea overal ter wereld. De kunstenaars zijn echt doorgeefluiken geworden die in staat zijn direct vanuit de ziel en het hart te werken. Heel bijzonder.

De prachtige, fotorealistische schilderijen van Charles Burton Barber.

Deze man leefde en werkte in de jaren tussen 1845 en 1894. Hij was erg goed en kende tijdens zijn leven al veel succes. Hij is met name bekend geworden door schilderijen van kinderen en huisdieren. Hij is en was zo populair omdat hij onwijs gedetailleerd kon werken.

Hij was iemand die werkte voor het Engelse koningshuis. Hij schilderde voor de Engelse koningin Victoria. Hij heeft haar veel afgebeeld ook met haar kleinkinderen en huisdieren.

Later kwam ook de prins van Wales erbij als opdrachtgever. Er bevinden zich nog verscheidene werken in de koninklijke collectie, en ook later van 1866 tot 1883 konden de mensen de schilderijen zien van hem in de koninklijke academie.

Het werk van Charles Burton Barber is wel wat sentimenteel ook vanwege de onderwerpen.

Hij schilderde zogezegd vaak kinderen dan wel dieren of een combinatie van beide.

Het is allemaal van zeer hoge kwaliteit en dus bijna fotografisch.

Zijn allerlaatste opdracht kreeg hij van koningin Victoria. Het ging om haar samen met haar kleinkinderen in een mooie grote koets. Hij overleed kort daarna. Alle belangrijke en voorname galerijen tonen wel werk van hem.

Het expressionisme begint toch echt bij meneer van Gogh.

Vincent van Gogh was een Nederlandse schilder die werkte na de impressionisten. Dat wordt dan de postimpressionisten genoemd. Hij werd geboren in het jaar 1853, en begon pas als schilder in het jaar 1890. Hij werkte in het begin samen met een kunsthandelaar, die ook zijn broer was, en hij heette Theo van Gogh.

Zijn werk is later echt wereldberoemd geworden en uiteraard hangt er dan een hoog prijskaartje aan. We hebben in Nederland, in Amsterdam zelfs een echt van Gogh museum.

Hij leefde zoals geschreven niet echt heel lang, wat waarschijnlijk te maken had met zijn zeer hoge gevoeligheid waar hij niet of nauwelijks mee om kon gaan.

Hij maakte jammer genoeg in het jaar 1890 zelf een einde aan zijn kostbare leven. In het begin, toen hij startte als kunstschilder maakte hij gebruik van hele donkere kleuren. Ik denk zelf dat het te maken heeft gehad onder invloed van de Amsterdamse schilder Breitner. Zij hebben elkaar ontmoet en Breitner was een schilder die met name schilderde in donkere omberen en grijze tonen en tinten. Later raakte Vincent in Parijs onder invloed van Monet en zijn tijdgenoten. Het Franse en het impressionisme van Parijs deed hem veel. Hij ging fellere kleuren gebruiken wat hem later zo beroemd maakte. Het is een heel herkenbare stijl en manier van werken die echt de deur heeft opengemaakt voor het latere expressionisme.

Hij is zo geschreven een pionier, de grondlegger van het latere expressionisme. Het is een uiting, een belangrijke kunstvorm waardoor jezelf opgaat in je omgeving en er vervolgens door middel van kleur vorm aan geeft. Het was een wat alternatieve vorm, wat natuurlijk  veel weerstand gaf. Het werd gewoon niet begrepen en de mensen in de kunstwereld van toen konden het maar niet accepteren. Geld was daardoor voor Vincent een probleem omdat zijn schilderijen gewoon niet verkocht konden worden en opdrachten er ook niet kwamen.

Het is natuurlijk niet echt makkelijk voor hem geweest allemaal maar toch bleef hij trouw aan zich zelf en ging gewoon lekker door. Hij experimenteerde met verschillende materialen en kleuren. Meestal werkte hij vooraf als tekenaar. Hij maakte veel schetsen in zwart en wit. Wat bekend is, is dat hij veel werk heeft weggedaan.

Hij heeft ook veel schilderijen weggedaan. De aardappeleters, gemaakt tussen 1882 en 1884 is gelukkig bewaard gebleven. Vincent erkende dat er nog veel onvolmaaktheden waren in zijn werk, en probeerde daar wat aan te doen in Antwerpen en laten in Parijs.

Later vertrok hij naar Arles om zich wat meer en grondiger te verdiepen in het impressionisme, en de techniek daarvan. Wat er gebeurde was dat hij oude bestaande werken opnieuw ging maken. Het waren werken die hij eerder maakte voor een vriend in Eindhoven. Ze moesten daar dienen ter decoratie.

Toen Vincent zich had gevestigd in Arles kwam ook kort erna de andere schilder Gauguin. Ze raakte bevriend en schilderde vaak ook samen. Het was allemaal jammer genoeg van korte duur omdat het tweetal boos op elkaar werden vanwege een vrouw die ze allebei leuk vonden.

Het STAS cliprail pro systeem (45 kg/m) is een ophangsysteem met een rail die extra stevig is uitgevoerd en daardoor maar liefst 45 kg per strekkende meter kan dragen. Het revolutionaire aluminium STAS cliprail pro ophangsysteem.
Van basispakket STAS cliprail pro ook eenvoudig uit te breiden naar STAS multirail 12 Volt.

De volgende haken en koorden zijn te gebruiken in combinatie met dit ophangsysteem:

STAS smartspring op STAS cobra met perlon koord (belastbaar tot max. 4 kg)
STAS zipper op STAS cobra met perlon koord (belastbaar tot max. 10 kg)
STAS zipper op STAS cobra met staalkabel (belastbaar tot max. 15 kg)

Kunst is ontstaan in de periode van de renaissance. In de renaissance werd de kunst niet gezien als individuele uiting, maar als een middel om vorm te geven aan religieuze symbolen. Vroeger waren kunstenaars zoals beeldhouwer, kunstschilders en houtsnijders bijzondere mensen onder de ambachtslieden.De kunstenaars werken meestal in opdracht van de kerkelijke machthebbers of rijke families. Deze rijke families lieten bijvoorbeeld een portret maken van de familie.
De oudste vormen van kunst dateren van 22.000 voor Christus. Deze vormen hadden een sterk religieuze of symbolische betekenis, ze werden in sommige gevallen dan ook gebruikt als een context van een ritueel.

Wanneer men de waarde van een schilderij wil kennen, gaat men dit schilderij laten taxeren. Wanneer een schilderij wordt getaxeerd zal er gelet worden op de volgende
7 punten.

• De naam van de schilder:
  De meeste mensen die schilderijen gaan taxeren, kijken of het een gesigneerd werk is van een bekende schilder of een gesigneerd werk van een onbekende amateur schilder.
• De ouderdom van het schilderij:
  Dit is 1 van de belangrijkste puntjes, hoe ouder het schilderij hoe hoger de waarde van dat schilderij. De prijs stijgt zeker als het schilderij na al die jaren nog in perfecte staat is.
• Conditie van het schilderij:
  Een eerder gerestaureerd schilderij is uiteraard veel minder waar dan een schilderij dat na al die tijd nog steeds in perfecte staat is. Wanneer het werk beschadigd is, is het veel moeilijker om het werk te verkopen.
  Je kunt het werk dan ook laten restaureren, maar dat kan duur uitkomen.
• De grootte en de gebruikte techniek van het schilderij:
  Grotere schilderijen zijn over het algemeen duurder dan kleinere werken.
  De Mona Lisa is daar b.v.b. een uitzondering op. Maar een groter werk is natuurlijk moeilijker te verkopen als het niet in een huis kan, of niet bij het interieur past.
  De gebruikte techniek is ook van zeer groot belang, een olieverfschilderij is iets minder waard dan een aquarel van een bepaalde schilder.
• Modetrends:
  Het is misschien moeilijk te geloven, maar schilderijen zijn onderhevig aan de modetrends en de aandacht die word gegeven aan een bepaald schilderij.
  Dit kan zijn als er 1 gestolen wordt.
• Kwaliteit:
  De waarde van een schilderij stijgt naargelang de technische schilderskwaliteiten en de originaliteit.
• Zeldzaamheid:
  Mooie schildrijen die goed op de markt liggen, maar beperkt zijn in aantal, zullen veel meer waard zijn dan mooie schilderijen waar er zeer veel exemplaren van zijn.