Een gallery is een plek waar kunst tentoon wordt gesteld. Het is een leuke en inspirerende plek. Je kunt er schilderijen bekijken, beeldhouwwerken, maar ook soms wel illustraties en andere vormen van kunst bijvoorbeeld videokunst of mooie tekeningen. Er bestaan plekken waar je gewoon naar binnen kunt en zonder veel moeite de werkstukken kunt bekijken en er zijn plekken met een wat hogere drempel waar je echt voor uitgenodigd moet worden door de eigenaar. Dit is de zogenaamde prive-gallery. Uiteraard is het doel van zoon eigenaar de kunst te verkopen maar je ziet ook vaak en dat is onwijs leuk dat de eigenaar van de gallery een liefde ervoor heeft en leuk en enthousiast kan vertellen over de te gepresenteerde stukken.

Er wordt klassiek werk aangeboden maar het meeste toch wel de moderne en hedendaagse kunst. Dit komt natuurlijk omdat er tegenwoordig ook nog enorme creativiteit is onder de mensen en dit moet natuurlijk onder de aandacht worden gebracht.

Het is mogelijk dat kunst wordt aangeboden in kleine gemeentes of dorpen maar het is uiteraard logisch dat de grote steden waar echt veel mensen komen en wonen dominant is hierin. Je moet er als kunstenaar rekening mee houden dat een winkel of gallery een commissie zal vragen op het moment dat er iets wordt verkocht. Dit is natuurlijk niet vreemd want we zijn nu eenmaal afhankelijk van elkaar. De eigenaar van de winkel of gallery heeft een mooi ingerichte ruimte en zorgt vervolgens voor de publiciteit. De kunstenaar zal rekening moeten houden dat er ongeveer 40 % naar de gallery-eigenaar zal gaan. Hij of zij kan natuurlijk deze commissiekosten doorberekenen naar de klant als dat nodig is.

Het is ook mogelijk om tegen betaling in een gallery het werk te presenteren. Het voordeel is dat er bij verkoop geen commissiekosten worden berekend en het nadeel is dat aan het begin van de expositie een bepaald bedrag door de kunstenaar betaald zal worden ook als er niet iets wordt verkocht. Het is tegenwoordig ook goed mogelijk om via het internet kunst aan te bieden. Er zijn heel veel mogelijkheden hiervoor. Het is voor de klant wat toegankelijker en makkelijker om iets moois en leuks te vinden. Veel mensen vinden het juist leuk om ergens heel te gaan en de kunst echt te zien en te beleven. Het is een hele klus om als kunstenaar een gallery te vinden die bij hem of haar past. Zelf vind ik het ook belangrijk om een goede klik te hebben met de eigenaar ervan en samen ook over het werk te spreken. Je vormt dan echt een goed team. Een gallery is meestal voorzien van goed licht, het liefst van boven, zodat de kunstwerken ideaal uitkomen. Wanneer er toch gekozen wordt voor verlichting dan is het meestal zo neutraal mogelijk, bijvoorbeeld tl verlichting of speciale daglichtlampen.

Heel veel succes met het vinden van een goede vertegenwoordiger van je werk als kunstenaar. Het is echt te gek om via zoon gegeven werk te verkopen. Je zult ook zien dat het een onwijze stimulans is om het werk in contact te brengen met het publiek.

Het stilleven ontstond al in de oudheid maar was erg populair in de 17^e eeuw, met name in het Westen van Europa, Holland, Duitsland en Frankrijk. Een stilleven laat altijd voorwerpen zien, die objecten die niet kunnen bewegen. Dus voorwerpen als bloemen, munten, juwelen, stenen, planten, schelpen, glazen enzovoort. Het stilleven van voor de 17^e eeuw waren altijd met religieuze inhoud. De stillevens erna waren wat vrijer. De kunstenaar kan echt helemaal zijn eigen wereld scheppen door de compositie, dus de inhoud van de dragen helemaal zelf in te delen.Bij een landschap heb je dat niet als kunstenaar al heb je natuurlijk wel de keus zelf de hoek en de hoogte te bepalen. Bij een te schilderen portret al evenmin.

Een stilleven is vaak erg gedetailleerd met name dus in die rijke 17^e eeuw. Maar laten, denk aan Pablo Picasso ging het weer wat schematischer en gestilleerder. Dat kan dus ook. Voor de 17^e eeuw, in de tijd van de Egyptenaren waren er ook al wel stillevens. Deze waren te zien bij de graftombes omdat men toen dacht dat al die lekkere voorwerpen gewoon meegingen met de dode. Ook was het om de goden hartelijk te danken voor alles. Ook de Grieken daar weer voor hanteerde deze onderwerpen, vaak van voedsel en bloemetjes. In de Middeleeuwen, zo van 1000 tot 1500 werden de stillevens echt vervaardigd om de religie, het christelijke geloof kracht bij te zetten. De gebroeders van Eijck waren echt niet te evenaren hierin met name Jan.

Ook zij waren verantwoordelijk voor de verf aangelengd met olie, de zogenaamde olieverf, die natuurlijk heden te dagen ook nog gewoon te koop is.

Leonarde da Vinci was een kunstenaar die het eerste stilleven schilderde die niet iets te maken had met het geloof. Hij schilderde puur vanwege het onderzoek. Deze man was echt geniaal. Het was een echte analist en ook wetenschapper die op zoek ging naar de essentie, kern en ontstaan ervan. Zo is ook hij verantwoordelijk voor die eerste prachtige anatomie-tekeningen.

Erna ontstonden ook allerlei combinaties tussen ook mensen en voorwerpen. Bekende voorbeelden zijn grote groepen mensen aan tafel met een overdaad aan eten en lekkernijen. Om zo god te danken voor de enorme rijkdom van het leven.

In de 16^e eeuw gingen bloemen ook dienst doen als studieobject. Hele boeken werden er vol geschilderd puur om te kunnen laten zien wat er mogelijk was. Dit zijn botanische boeken vervaardigd voor de wetenschap.

De kardinaal Borromeo liet prachtige stillevens schilderen door Pieter Brueghel de Jonge.

En de Italiaan Carravagio, met zijn prachtige kleuren was destijds toonaangevend.

Heel naturalistisch en realistisch.

Een cultureel fenomeen was de abstracte kunst. Niet alleen werden er abstracte schilderijen gemaakt maar ook beeldhouwwerk kreeg een vorm wat niet echt duidelijk was. Zo ontstond er een nieuwe realiteit. Het is allemaal niet echt natuurgetrouw maar de kunstenaar speelt met wat onbekende vormen, kleuren en combinaties hiervan. Het zal dus afwijken van wat je zult herkennen als werkelijkheid. Het zal uiteindelijk ook wat meer gaan werken op het gevoel, en je zult er naar kunnen blijven kijken, en er ook steeds nieuwe dingen in kunnen gaan zien. Zo rond het begin van de 20^e eeuw ontstond dit fenomeen, onder invloed van het Kubisme en het Futurisme. Dus vanuit een sterk gereduceerde weergave van de werkelijkheid. Er zijn wel objecten van herkenbaarheid zichtbaar maar ze zullen worden teruggebracht naar de essentie.

Geabstraheerd wordt ook vaak gebruikt. Abstracte schilderkunst is in het westen ontstaan, wat duidelijk een feit is maar waar precies dat is niet duidelijk. Het kan zijn dat het is ontstaan in Rusland, Italie, Frankrijk of zelfs Nederland. Het surrealisme is een stroming in de kunstgeschiedenis die werkt met de spontane handeling. Er wordt niet gewerkt vanuit de bovenste lagen van het bewustzijn maar men zal echt gaan werken vanuit het onderbewustzijn. Het heeft veel te maken met spontaniteit en in veel gevallen met spiritualiteit. De abstracte schilderkunst heeft veel gehad aan deze uiting. Er bestaan ook abstracte surrealistiche kunst. De Russische schilderkunst uit het begin van de 20^e eeuw doet vermoeden dat het hier is ontstaan. Het zijn enorm complexe werken maar verliezen in geen geval de spontaniteit. Het zijn veelal spontane werken met veel gevoel gemaakt wat weer een appel zal doen op het gevoel van de beschouwer, en deze mogelijk een spirituele ervaring laten hebben. Halverwege de 20^e eeuw dus na de 2^e wereldoorlog ontstond het abstract-expressionisme hoogst waarschijnlijk in de Verenigde Staten van Amerika. Er heerste destijds een strenge censuur zodat kunstenaars zochten naar een uiting die wat moeilijker de duiden was. Voor een leek of gemiddeld beschouwer was dat ook zo, maar de kenner kon zonder veel moeite de boodschap ontleden en doorgeven. Het is een hele pure vorm van werken wat natuurlijk niet echt eenvoudig is en was. Het heeft een enorme populariteit gekregen en er was en is werk te zien in de meest belangrijkste musea overal ter wereld. De kunstenaars zijn echt doorgeefluiken geworden die in staat zijn direct vanuit de ziel en het hart te werken. Heel bijzonder.

De kunst van het beeld, de beeldende kunst omvat veel.

De beeldende kunst is kunst die zich bezig houd met het visuele, dus wat je kunt zien. Je hebt bijvoorbeeld de foto, schilderkunst of de film. Beeldhouwen en architectuur is ook visueel maar dat valt weer onder Plastische kunst omdat er een dimensie bijkomt namelijk de derde.

Theater, dans en kook kunst hebben wel iets met beeldende kunst van doen maar helemaal geaccepteerd als beeldende kunst is het nog niet. Waarschijnlijk is tekenen de vorm waar het is begonnen. Je kunt natuurlijk al met een stukje houtskool erg leuke en mooie dingen doen.

Je tekenen op papier maar ook op hout of doek en zelf op het moderne plastic. Het meest voorkomende is natuurlijk het papier wat ook het gemakkelijkste zal gaan. Je hebt veel verschillende soorten papier afhankelijk van wat je wilt. Een wat grover papier zal behoorlijk mooi een motiefje kunnen geven. Je kunt zoals gezegd met een stukje houtskool tekenen maar ook met een stift, inkt, was etc.. Ook hier geld weer het veel en vaak doen want het is niet echt makkelijk. Vooral wanneer je bijvoorbeeld iets met meer ruimte wilt gaan tekenen. Dan zal je te maken krijgen met schaduwwerking. Wanneer je wilt gaan schilderen dan kan dat. Je kunt schilderen met verf wat bestaat uit een kleurpigment en een oplosmiddel. Het laatste zal ervoor zorgen dat de verf ook goed blijft plakken. Bij olieverf is er dus een pigment en er is olie. Het bindmiddel zorgt er ook voor dat er een werkbaar materiaal ontstaat waar je mee kunt schilderen. Enkel kleurpigment aanbrengen met een kwast gaat niet echt werken.

Je kunt de verf aanbrengen op een ouderwets doek, van katoen of mooi linnen, maar je kunt ook werken op papier of op hout. Je kunt bijvoorbeeld wat proefjes maken op papier en later serieus aan de slag gaan op een mooi doek. Je kunt ook het fototoestel gebruiken zoals gezegd. Vroeger was dit analoog wat wil zeggen dat er een gevoelige plaat of negatief kortstondig wordt belicht. Je had toen een fotorolletje met bijvoorbeeld 30 kansen. Je ging dan naar buiten en was op zoek naar mooi en goed licht. Tegenwoordig is er de digitale camera met erbij computerbewerkingsprogramma’s zoals photoshop. Het is een kunstvorm wat snel aan populariteit heeft gewonnen. De schilderkunst is echter niet overbodig omdat het een andere specialisatie is. Ook is er de filmkunst wat gemaakt wordt door de filmkunstenaar. Ook deze persoon zal goed op de hoogte zijn hoe je iemand emotioneel kan raken.

Met de komst van de computer kreeg de beeldend kunstenaar er een nieuw middel bij. Het maakte het gemakkelijk om wat ingewikkelder beelden te maken. De computer is dus het gereedschap waar het kunstwerk mee gemaakt zal worden wat vervolgens op papier of doek zichtbaar en presentabel gemaakt kan worden. Het is zeker een serieuze uiting van beeldende kunst en mag absoluut niet als eendagsvlieg gezien worden. Kunst in de derde dimensie zoals pottenbakken bestaat al meer dan tien duizend jaar. Ook nu nog bestaat het en wordt het beoefend, veel ook in Japan. Keramische kunst is een andere naam ervoor. Je kunt tegenwoordig ook wat afwijken van vorm en de functie laten gaan zodat het een sculptuur zal worden. Hoe meer het beeld of de pot zal afwijken hoe opvallender het beeld zal worden dus.

Er zal altijd ontwikkeling blijven bestaan in de beeldende kunst omdat alles zich ontwikkeld en zal veranderen. Tegenwoordig is er bijvoorbeeld de 3D printer. Ook dit zal een gereedschap kunnen worden voor de beeldend kunstenaar

De prachtige, fotorealistische schilderijen van Charles Burton Barber.

Deze man leefde en werkte in de jaren tussen 1845 en 1894. Hij was erg goed en kende tijdens zijn leven al veel succes. Hij is met name bekend geworden door schilderijen van kinderen en huisdieren. Hij is en was zo populair omdat hij onwijs gedetailleerd kon werken.

Hij was iemand die werkte voor het Engelse koningshuis. Hij schilderde voor de Engelse koningin Victoria. Hij heeft haar veel afgebeeld ook met haar kleinkinderen en huisdieren.

Later kwam ook de prins van Wales erbij als opdrachtgever. Er bevinden zich nog verscheidene werken in de koninklijke collectie, en ook later van 1866 tot 1883 konden de mensen de schilderijen zien van hem in de koninklijke academie.

Het werk van Charles Burton Barber is wel wat sentimenteel ook vanwege de onderwerpen.

Hij schilderde zogezegd vaak kinderen dan wel dieren of een combinatie van beide.

Het is allemaal van zeer hoge kwaliteit en dus bijna fotografisch.

Zijn allerlaatste opdracht kreeg hij van koningin Victoria. Het ging om haar samen met haar kleinkinderen in een mooie grote koets. Hij overleed kort daarna. Alle belangrijke en voorname galerijen tonen wel werk van hem.

Het expressionisme begint toch echt bij meneer van Gogh.

Vincent van Gogh was een Nederlandse schilder die werkte na de impressionisten. Dat wordt dan de postimpressionisten genoemd. Hij werd geboren in het jaar 1853, en begon pas als schilder in het jaar 1890. Hij werkte in het begin samen met een kunsthandelaar, die ook zijn broer was, en hij heette Theo van Gogh.

Zijn werk is later echt wereldberoemd geworden en uiteraard hangt er dan een hoog prijskaartje aan. We hebben in Nederland, in Amsterdam zelfs een echt van Gogh museum.

Hij leefde zoals geschreven niet echt heel lang, wat waarschijnlijk te maken had met zijn zeer hoge gevoeligheid waar hij niet of nauwelijks mee om kon gaan.

Hij maakte jammer genoeg in het jaar 1890 zelf een einde aan zijn kostbare leven. In het begin, toen hij startte als kunstschilder maakte hij gebruik van hele donkere kleuren. Ik denk zelf dat het te maken heeft gehad onder invloed van de Amsterdamse schilder Breitner. Zij hebben elkaar ontmoet en Breitner was een schilder die met name schilderde in donkere omberen en grijze tonen en tinten. Later raakte Vincent in Parijs onder invloed van Monet en zijn tijdgenoten. Het Franse en het impressionisme van Parijs deed hem veel. Hij ging fellere kleuren gebruiken wat hem later zo beroemd maakte. Het is een heel herkenbare stijl en manier van werken die echt de deur heeft opengemaakt voor het latere expressionisme.

Hij is zo geschreven een pionier, de grondlegger van het latere expressionisme. Het is een uiting, een belangrijke kunstvorm waardoor jezelf opgaat in je omgeving en er vervolgens door middel van kleur vorm aan geeft. Het was een wat alternatieve vorm, wat natuurlijk  veel weerstand gaf. Het werd gewoon niet begrepen en de mensen in de kunstwereld van toen konden het maar niet accepteren. Geld was daardoor voor Vincent een probleem omdat zijn schilderijen gewoon niet verkocht konden worden en opdrachten er ook niet kwamen.

Het is natuurlijk niet echt makkelijk voor hem geweest allemaal maar toch bleef hij trouw aan zich zelf en ging gewoon lekker door. Hij experimenteerde met verschillende materialen en kleuren. Meestal werkte hij vooraf als tekenaar. Hij maakte veel schetsen in zwart en wit. Wat bekend is, is dat hij veel werk heeft weggedaan.

Hij heeft ook veel schilderijen weggedaan. De aardappeleters, gemaakt tussen 1882 en 1884 is gelukkig bewaard gebleven. Vincent erkende dat er nog veel onvolmaaktheden waren in zijn werk, en probeerde daar wat aan te doen in Antwerpen en laten in Parijs.

Later vertrok hij naar Arles om zich wat meer en grondiger te verdiepen in het impressionisme, en de techniek daarvan. Wat er gebeurde was dat hij oude bestaande werken opnieuw ging maken. Het waren werken die hij eerder maakte voor een vriend in Eindhoven. Ze moesten daar dienen ter decoratie.

Toen Vincent zich had gevestigd in Arles kwam ook kort erna de andere schilder Gauguin. Ze raakte bevriend en schilderde vaak ook samen. Het was allemaal jammer genoeg van korte duur omdat het tweetal boos op elkaar werden vanwege een vrouw die ze allebei leuk vonden.

Een modern schilderij hoeft niet per definitie modern te zijn. Het is een kunstvorm die al voor de gouden eeuw is ontstaan, dus alweer meer dan 400 jaar.
Het is een vorm van schilderkunst die weer vele stromingen heeft voortgebracht. Het is dus een kunstvorm die niet heel jong hoeft te zijn. Het gaat ervan uit dat de kunstwerken uiting geven aan de emotionele kant en verscheidene thema’s. Dit kan geschilderd zijn als herkenbaar maar ook een volkome abstract schilderij of werk is mogelijk.
De abstracte schilderkunst is een tak of gebied binnen de moderne schilderkunst waarbij de aard van het thema aan de basis staat dus wat het belangrijkste is en als grondslag dient. De kunstenaar is helemaal vrij in het uitwerken hiervan. Vaak wordt gedacht dat het makkelijker is om bezig te zijn met abstracte schilderkunst maar dat is niet helemaal het geval.
Het is echt een kunst op zich waarin het hoofd en het gevoel goed in balans moeten zijn. Je kunt bijvoorbeeld in een abstract werk te snel te veel doen waardoor het allemaal wat minder overzichtelijk kan worden. Het moet je maar net liggen.
Zo aan het einde van de 19e eeuw onderging de schilderkunst een grote verandering. De schilderijen werden losser en spontaner en er werd veel buiten geschilderd door de introductie van de verftube. Lekkere losse schilderingen van het normale alledaagse leven waren onwijs populair. De twee stijlen, of manieren van werken waren het impressionisme en het symbolisme. Ook was er destijds veel invloed vanuit het oosten, waar veel decoratieve schilderskomst vandaan kwam. De Franse Romantische schilder Delacroix was ook een heel belangrijk persoon die invloed had hierin.
De kunstenaars in de 19e en 20e eeuw werden geacht alledaagse objecten en mensen in huiselijke omgeving zo nauwkeurig mogelijk weer te geven. Deze werden er goed voor betaald door de opdrachtgevers die de kunstwerken gebruikte als verfraaiing van het interieur en om macht en gezag uit te stralen. De kunstenaars waren dus mensen die vooral bezig waren met een ambacht. De zelfstandige schilderkunst bestond dus niet. Het was in hoofdzaak broodwinning.
In het begin van de 20e eeuw ontstonden er weer andere stijlen moderne schilderijen.
Je kreeg bijvoorbeeld het Fauvisme wat je kunt herkennen aan de wilde schildersbewegingen, de felle kleuren en de ogenschijnlijke eenvoud van onderwerp vaak abstract geschilderd. En daar is ook het Kubisme, wat de heer Picasso samen met een aantal andere kunstenaars heeft doen ontwikkelen. Het is een stijl waarin het schilderij in onderverdeeld in vlakjes en kleurtjes. Er is ook moeilijk diepte te zien omdat het allemaal in elkaar over schijnt te lopen.
Heel apart zeker omdat het schilder meerdere perspectieven lijkt te hebben. Ook kwam daar het Expressionisme, expressieve schilderijen met veel en felle kleuren. Vaak vinden de mensen de werken wat minder om te zien zoals het eruit ziet maar gevoelsmatig wordt er veel aangeraakt wat precies de bedoeling is van de artiest. Dus communiceren doormiddel van het gevoel.
De bekendste vertegenwoordiger is waarschijnlijk kunstenaar Edward Munch.
Denk bijvoorbeeld aan de Schreeuw wat echt geluid schijnt te maken wanneer je erbij bent.
Het Futurisme is een andere stroming die ontstond in Italië.
De kunstenaar aldaar wilde afrekenen met het verleden en zich richten op de toekomst. Hele moderne schilderijen ontstonden hier met veel techniek en hele fantasievolle nieuwe steden.
Ze hadden echt genoeg van al het trage en ouderwetse.

Kunst is ontstaan in de periode van de renaissance. In de renaissance werd de kunst niet gezien als individuele uiting, maar als een middel om vorm te geven aan religieuze symbolen. Vroeger waren kunstenaars zoals beeldhouwer, kunstschilders en houtsnijders bijzondere mensen onder de ambachtslieden.De kunstenaars werken meestal in opdracht van de kerkelijke machthebbers of rijke families. Deze rijke families lieten bijvoorbeeld een portret maken van de familie.
De oudste vormen van kunst dateren van 22.000 voor Christus. Deze vormen hadden een sterk religieuze of symbolische betekenis, ze werden in sommige gevallen dan ook gebruikt als een context van een ritueel.

Een film of een rolprent is een verhaal dat wordt uitgebeeld, een film zijn eigenlijk ontelbaar veel foto’s die na elkaar worden afgespeeld. Zo word het beeld gevormd. De bijhorende kunstvorm van filmkunst wordt cinematografie genoemd.